Un taxi pour le Tohoku (Maj)

Avant d’être révélée à un large public pour le rôle de Kanako dans Kawaki (The World of Kanako) de Tetsuya Nakashima, Nana Komatsu a fait ses premiers pas au cinéma dans Tadaima (ただいま), un petit film réalisé et produit en 2013 par Daisuke Shimada, réalisateur et fondateur de la société de production Qotori Films.


Script: Sumire, une adolescente qui semble un peu perdue, parvient à convaincre un chauffeur de taxi Tokyoïte de la conduire dans l’est du Tohoku, région durement touchée par le tsunami du 3 mars 2011 (plus de 18000 morts et disparus). Elle veut revoir la maison où elle a passé son enfance mais cette demeure, comme sa famille, a été emportée par les flots meurtriers. Sur les lieux du drame, une découverte et un dialogue émouvant entre une jeune fille affectée par le chagrin et un homme plus âgé, compatissant et bienveillant, qui tente de lui donner ce qu’elle n’a plus: l’espoir et l’envie de vivre ! 


Bande Annonce


Le court métrage, après avoir été présenté dans différents forums et festivals, entre autres le Tama Cinema Forum, a connu une deuxième vie avec une sortie en DVD le 31 octobre 2016. Un bon timing puisque de février à novembre, c’est dans pas moins de cinq longs métrages et un drama que les fans de l’actrice pouvaient la voir. Mode, publicité et cinéma, 2016 fut une année pleine.

Ce DVD est malheureusement quasi introuvable aujourd’hui, la société Qotori Films n’existe plus depuis décembre 2018, quand au metteur en scène Daisuke Shimada, il a carrément disparu des écrans radars, son compte Facebook est désormais fermé. A moins de tomber sur une copie dans un Book Off voire sur Yahoo Auctions Japan, il est devenu de fait un objet rare, pour les fans et les collectionneurs.

C’est d’ailleurs un assez beau produit au packaging original, style ‘gatefold’ avec papier déchiré et assemblage délibérément gauche et artisanal, tel un ‘objet trouvé’, en écho au film et aux thèmes du souvenir et de l’évocation du désastre. Outre le film dans son intégralité (26′), ce mini coffret offre un clip musical inédit du groupe Radwimps -avec Nana Komatsu– et un petit livret présentant quelques photos et les informations d’usage.


Tadaima est un joli court métrage, une oeuvre simple -le script suit le trajet linéaire du taxi de Tokyo au Tohoku- mais touchante. Quelques éléments d’humour viennent ça et là rehausser, par effet de contraste, la dimension tragique de l’ensemble. Nana Komatsu n’avait que 17 ans, à la fois spontanée et nuancée dans son jeu, elle montrait déjà certaines dispositions pour le grand écran, elle est fort bien secondée par Shohei Uno, le chauffeur, décontenancé puis ému par cette jeune fille, perdue et dévorée par le remords d’avoir survécu.


Galerie photos


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Hier, c’était demain

Retour sur le film My Tomorrow Your Yesterday (ぼくは明日, 昨日のきみとデートする) avec un article original publié l’an dernier par mon confrère Hervé Lacrampe, webmestre du blog AAA: Asie, Architecture, Actualités, avec son aimable autorisation bien évidemment !


L’art du mélodrame réussi

Takatoshi étudie l’art et emprunte chaque jour le même train de banlieue entre son domicile et l’université.  Un matin il croise le regard de la jeune Emi et son coeur s’emballe. Subjugué par la jeune fille, il décide de la suivre et de l’aborder. A sa grande surprise la jeune fille ne le repousse pas et une histoire s’amorce. Ils se ressemblent, chacun ayant échappé à la mort dans leur enfance. Takatoshi, timide, apprend à connaître cette fille étonnante qui semble devancer ses souhaits, anticiper ses demandes tout en connaissant des crises de larmes aussi soudaines que violentes. Mais bientôt arrive le temps des révélations le jour où il ouvre par accident le journal d’Emi.

My Tomorrow tour yesterday se révèle une superbe surprise, adapté d’un roman à succès. Il faut d’abord insister sur le cadre de l’histoire : la ville de Kyoto. Cela faisait longtemps que l’on avait pas aussi bien mis en image cette ville duale, ville ancienne faite de petites échoppes, de rues anciennes, de temples et la ville contemporaine qui a poussé en face une fois traversée le pont. Il y a de nombreuses idées de mises en scènes jouant sur ces deux faces et sur le rôle du pont. Ceci sert un propos riche en métaphores et en symboliques. Avant même la révélation intervenant au milieu du film, le réalisateur distille des éléments qui préparent au retournement de situation en rendant plus évident tout le cadre. 

(ATTENTION SPOILERS) Il faut aussi insister sur l’intelligence du scénario. C’est un mélodrame qui s’appuie sur une dimension de science fiction. Il faut être attentif car la révélation (dans le style l’étrange histoire de Benjamin Button) fait basculer la comédie romantique dans le drame sentimental. C’est une histoire d’amour triste. Et une fois ce mystère résolu, un second souffle fait encore progresser l’intrigue. Et tout le montage astucieux alternant flashback, saut dans le temps, retour dans le présent détricote l’écheveau de mystères. Chaque détail placé dans l’intrigue vient s’imbriquer dans une histoire vraiment très belle, très simple, sans effets spectaculaires. 

Les acteurs portent littéralement sur leurs épaules cette fascinante histoire. Fukushi Sota est impeccable dans la peau de cet étudiant maladroit, timide s’ouvrant à un amour. Il met parfaitement en scène l’évolution de son caractère face à l’ampleur de la révélation : sidération, colère, passion, engagement. Le tout porté par son amour du dessin. Quant à Nana Komatsu, elle irradie littéralement la pellicule, à la fois fragile, sensible, douce, enjouée, triste, fataliste. Car son histoire est une vraie torture, une malédiction cruelle et presque perverse. Et elle joue avec un tel naturel qu’elle emporte tout sur son passage. 

My Tomorrow your yesterday a tout pour vous plaire. Une histoire très intelligente parfaitement mise en scène et construite. Un film à concept qui redonne ses lettres de noblesse au mélodrame.


Bande annonce – Sous titres (mandarin et anglais)


Samurai Marathon 1855

‘Les Bateaux Noirs sont là’, c’est ainsi que le seigneur Itakura (Hiroki Hasegawa) désigne -comme le faisaient alors ses contemporains- les navires américains de l’escadre du Commandeur Perry.

Milieu du 19ème siècle, les dernières années du Shogunat avant la Restauration Meiji, un Japon qui hésite entre nécessité d’une ouverture et crainte d’une invasion, c’est le cadre historique de Samurai Marathon 1855, film réalisé par le metteur en scène Britannique Bernard Rose et produit par un autre sujet de Sa Majesté, Jeremy Thomas, à qui l’on doit notamment la production du phénoménal ‘Le Dernier Empereur’.

Toutefois, c’est à partir d’un fait historique mineur que Rose construit sa fiction. C’est en effet en 1855 qu’eut lieu le premier marathon au Japon, une épreuve d’endurance organisée par le seigneur Itakura, du domaine d’Annaka, dans le but d’endurcir et d’aguerrir ses samourai. L’événement est toujours célébré de nos jours et a fait l’objet d’un roman historique (de Akihiro Dobashi) dont le metteur en scène s’est en bonne partie inspiré.

Parmi les compétiteurs se trouve un certain Jinnai Karasawa (Sato Takeru), espion à la solde du Shogun. Il croit déceler dans la mobilisation et les préparatifs un complot contre le pouvoir central et lorsqu’il comprend sa méprise, il est trop tard, son courrier est arrivé et une troupe d’assassins est déjà en route. Pour compliquer les choses, la Princesse Yuki Hime (Nana Komatsu), fille du seigneur Itakura, a disparu.

Lorsque le générique de fin arrive on a le sentiment d’avoir soi-même parcouru les magnifiques paysages du Japon et la qualité de la pellicule est telle qu’il en ressort une impression de plénitude et d’apaisement, gommant les péripéties parfois violentes et mouvementées d’une histoire tout à fait singulière. La photographie, les lumières parfois surréelles sont l’oeuvre de Takuro Ishizaka qui a su magnifier les somptueux décors naturels de la préfecture de Yamagata. La bande son, jamais intrusive mais toujours perceptible, est à la hauteur de l’ensemble, elle est signée Philip Glass.

Le film comprend en gros trois parties, la première met en place les personnages, pose le décor et un montage précis et dynamique permet au spectateur d’intégrer de nombreuses informations qui auront tout leur sens par la suite. La deuxième phase est la course elle-même, égrainée de multiples incidents, tantôt comiques tantôt tragiques: certains courent par devoir, d’autres pour la gloire, d’autres encore ont de sombres desseins. Parmi les coureurs, un guerrier a tout l’air d’être une jeune femme.

Vient ensuite le final, l’apothéose, avec des scènes de combat qui n’ont rien à envier aux meilleurs films du genre, si tant est qu’on puisse classer Samurai Marathon 1855 dans la catégorie film de sabre, Bernard Rose ayant réussi à jouer entre hommage et parodie pour produire une oeuvre personnelle et originale.

Enfin, un autre atout majeur du film est son casting prestigieux avec pas moins de huit têtes d’affiche (liste complète en fin d’article). Les seconds rôles, même les plus modestes, ont également été confiés à des acteurs et actrices renommé(e)s, on remarquera entre autres Junko Abe (Still the water), Taishi Nakagawa (Kids on the slope) ou encore Mugi Kadowaki, partenaire de Nana Komatsu dans Farewell Song/Sayonara Kuchibiru.

Aux côtés du ‘couple vedette’ Takeru Satoh/Nana Komatsu, chacun fait preuve de talent dans des scènes bien intégrées dans le tissu narratif, on retiendra tout particulièrement la performance de Mirai Moriyama, impressionnant de puissance et d’énergie. Takeru Satoh avait dans ses bagages l’expérience de trois volets de Rurouni Kenshin, autant dire que sabre au clair en pleine forêt il est comme un poisson dans l’eau, imposant sa gestuelle et ses mouvements vifs et légers, c’est un acteur félin et charismatique.

Nana Komatsu s’est vu confier un rôle délicat. Le personnage de Yuki Hime ajoute une note de modernité à la fiction. Loyale envers son père et son clan, elle n’en est pas moins rebelle, obstinée et indépendante. En plus d’avoir fière allure, en princesse ou en guerrière, la jeune actrice offre là une de ses plus belles prestations, aussi à l’aise avec un pinceau qu’avec un couteau, complexe dans les émotions, convaincante dans l’action.

Samourai Marathon est un beau film, aussi surprenant que divertissant: 4/5

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Une affaire de parents

La sortie de Kuru/It comes en DVD et Bluray au Japon le 3 juillet est l’occasion de présenter un article de fond très intéressant publié en mai dernier par Filmed in Ether sur deux films qui n’ont apparemment pas grand chose en commun. L’un est un Kore Eda classique dans la forme mais avec une dimension sociale plus marquée que dans ses autres films, l’autre, signé Nakashima, est un film d’horreur plutôt décalé.

Cependant, Natalie NG compare les deux oeuvres en s’attachant au thème de la parentalité et aussi bien dans Shoplifters que dans Kuru, les figures maternelles et paternelles, avérées ou potentielles, sont bien plus nombreuses que les enfants. Voici donc la traduction de cet essai passionnant et pertinent.†


LIMITS AND LOVE: HOW ‘SHOPLIFTERS’ AND ‘IT COMES’ CONFRONT PARENTHOOD (original en anglais)


Notes et remerciements


Traducteur, c’est un métier et ce n’est pas le mien. A défaut d’être un modèle de rendu stylistique, ce travail est fidèle aux idées de l’auteur.

Tout comme dans l’original en langue anglaise, ce qui suit contient de nombreux spoilers pour les deux films.

Remerciements à l’auteur, Natalie NG, ainsi qu’à Hieu Chau, éditeur en chef et fondateur de Filmed in Ether, pour leur aimable autorisation.


A première vue, la Palme D’or de Hirokazu Kore Eda (Shoplifters – Une affaire de famille) et le blockbuster horrifique de Tetsuya Nakashima (It Comes – Kuru) semblent avoir très peu de choses en commun si ce n’est leur sortie en 2018. Le très estimé drame de Kore Eda est un film délicat lequel, avec la subtilité propre au réalisateur, sa fascination de longue date pour les relations familiales, explore la dynamique d’une famille pauvre et atypique. Le sanglant film d’horreur de Nakashima porte quant à lui le style frénétique caractéristique du cinéaste et livre le récit d’une jeune famille hantée par une force mystérieuse et démoniaque.

Pourtant, bien qu’appartenant à des genres différents, Shoplifters et It Comes partagent bon nombre d’idées similaires et s’interrogent sur la nature même de la parentalité. Qu’est-ce qui fait un bon parent? Qu’est-ce qui fait d’une famille une famille? La société permet-elle aux familles hors normes de s’épanouir ? Les deux films s’accordent apparemment pour dire que la vraie parentalité n’est pas un droit biologique donné mais plutôt quelque chose qui s’acquiert et se mérite.

Pour autant les deux oeuvres n’offrent pas non plus de réponses claires sur ce qui fait un bon parent. Au lieu de cela, elles mettent le spectateur au défi pour qu’il prenne en compte les difficultés d’être parent, les constructions sociales de la cellule parentale et familiale et ce que l’éducation d’un enfant peut révéler à propos de soi-même.


Amour versus Besoins

La hiérarchie des besoins de Maslow est l’une des théories les plus connues utilisée pour déterminer quels principes affectent le comportement, ce qui motive les gens et en substance ce qui rend les êtres humains heureux. Les niveaux inférieurs de cette hiérarchie sont constitués des besoins les plus fondamentaux: besoins physiologiques tels que nourriture, eau et chaleur, suivis de la protection et de la sécurité. Ces deux niveaux étant atteints, les deux suivants sont d’ordre psychologique et consistent en besoins d’amour, d’appartenance et d’estime. 

Bien que la hiérarchie de Maslow se rapporte au bonheur d’une personne, elle peut également servir de point de référence pour déterminer ce dont un enfant a besoin pour grandir. En formulant les choses de cette manière, nous devons nous demander si l’exigence la plus élémentaire pour être parent est la capacité de pourvoir aux besoins les plus basiques des enfants, tels que la nourriture et l’eau, de leur offrir un toit. Et si tel est le cas, cela légitime-t-il le statut de parent simplement parce que ces besoins physiologiques ont été satisfaits ?

Dans It Comes, le jeune couple Hideki (Satoshi Tsumabuki) et Kanna (Haru Kuroki) vit avec leur fille Chisa dans un condo confortable. Kanna lui prépare volontiers les plats qu’elle aime et Hideki la gâte avec toutes les choses matérielles dont une petite fille a besoin. Mais le film révèle qu’il est un père plutôt absent, accaparé par son blog, consacré à Chisa et à ses exploits de père, sans que pour autant il en assume vraiment le rôle. Quand Chisa pleure, il l’ignore et montre plus d’intérêt à publier des photos de lui prenant soin de sa fille qu’à s’occuper d’elle. Lorsqu’elle tombe malade, il en rit, reproche à Kanna de s’être emportée et d’avoir contribué à la maladie de leur fille. Ses manquements en tant que père et être humain sont manifestes et largement dépeints : Hideki est obsédé par l’image, il est creux et superficiel.

Les éléments d’horreur dans le film de Nakashima ne font qu’approfondir la caractérisation du personnage de Hideki ainsi que les thèmes parentaux traités dans le film. Lors de la confrontation finale entre la ‘chose’ -la mystérieuse force- et Hideki, le jeune père se fait piéger en cassant tous les miroirs du domicile, convaincu que cela sauvera Chisa et Kanna. L’utilisation de miroirs brisés est symbolique, elle exprime à la fois son incapacité à être honnête avec lui-même et sa personnalité voilée, déformée. En refusant de se voir tel qu’il est et d’admettre sa superficialité, Hideki est un père qui échoue. 

On apprend peu de temps après que le compagnon de jeu de Chisa, depuis sa naissance, était ‘la chose’. La force malveillante s’empare de son corps sans difficulté, suggérant ainsi que la propension de Chisa à cette possession résulte de la satisfaction de tous ses besoins fondamentaux et du fait de n’avoir jamais reçu affection et attention.


Shoplifters fait également valoir que la biologie n’a rien à voir avec le fait d’être un parent compétent. Le film de Kore Eda reconnaît que subvenir aux besoins fondamentaux d’un enfant va de soi, mais que cela doit aller de pair avec l’amour et l’attention. L’histoire suit les Shibata, une famille de marginaux qui vit dans la pauvreté. Ils volent fréquemment à l’étalage pour leurs besoins quotidiens, et pourtant ils sont plus proches les uns des autres que dans la plupart des familles biologiques. Nous apprenons que le ‘fils’ de la famille, Shota (Jo Kairi), a été abandonné par ses parents biologiques. Juri (Miyu Sasaki), la petite fille que les Shibata accueillent au début du film, a également été maltraitée et négligée. Leurs parents biologiques n’avaient aucun amour pour eux. Pourtant, les Shibata choisissent de les recueillir parce qu’ils les ont vus dans des situations terribles et ont choisi de ne pas fermer les yeux en dépit des conséquences juridiques et de leur propre situation économique.

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